






Louise Hindsgavl
Conversation Pieces
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|---|---|
| Herausgeber | Nicolai Bejder, Louise Hindsgavl |
| Autor(en) | Lisbeth Bonde, Maibritt Borgen, Birgit Petersson, Merete Sanderhof |
| Gestaltung | Nicolai Bejder Studio |
| Maße | 24,5 x 32 cm |
| Umschlag | Hardcover |
| Seitenzahl | 320 |
| Abbildungen | 200 |
| Sprache(n) | Englisch, Dänisch |
| ISBN | 978-3-96912-275-4 |
Die dänische Bildhauerin Louise Hindsgavl (geb. 1973, lebt in Kopenhagen) ist für hybride Figuren aus Porzellan und glasiertem Steinzeug bekannt: halb Mensch und halb Tier. Nur das Material erinnert noch an die idealisierten oder kitschigen Szenen traditioneller Porzellanfiguren; Hindsgavls „plastische Kollisionen“ hingegen erzählen von verstörenden Begegnungen zwischen gepeinigten Halbwesen. Dafür schöpft sie aus dem brutalen Fundus überlieferter Geschichten ebenso wie aus den “Märchen” heutiger sozialer Medien, die Gewalt, sexuellen Missbrauch und Selbstverletzung normalisieren. Mithilfe eines der zerbrechlichsten Materialien rückt sie diese Trends ins Blickfeld für Diskussion und nennt ihre Skulpturen Conversation Pieces—so auch der Titel dieses interessanten und provokativen Buches.
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