




Bettina Hauke
Vor der Verwandlung
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|---|---|
| Erscheint | Oktober 2026 |
| Autor(en) | Larissa Kikol, Axel Ruoff |
| Gestaltung | Sichtvermerk |
| Maße | 22 x 29 cm |
| Umschlag | Hardcover mit Prägung |
| Seitenzahl | 128 |
| Abbildungen | 136 |
| Sprache(n) | Deutsch, Englisch |
| ISBN | 978-3-96912-281-5 |
Die Kunst von Bettina Hauke (geb. 1968 in Duisburg, lebt und arbeitet in Berlin und Oldenburg) ist farbenprächtig, subtil konstruiert, abgründig. Was spielerisch, surreal oder märchenhaft erscheint, erweist sich als präzise Reflexion. Haukes Figuren treten souverän auf, blicken, halten Dinge, ohne ihre Bedeutung zu erklären. Darin liegt die Kraft dieser Malerei: Sie ersetzt Botschaft durch Konstellation, Eindeutigkeit durch ein tastendes Sehen. In einer Gegenwart beschleunigter Bildzirkulation beharrt Hauke auf Achtsamkeit. Vor der Verwandlung erschließt ihr Werk aus zwei einander ergänzenden Perspektiven mit Beiträgen von Larissa Kikol und Axel Ruoff und macht eine Malerei sichtbar, die historische Bildordnungen prüft und daraus eine unverwechselbare eigene Sprache entwickelt.
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