Sonja Yakovleva
Soaplands
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| Autor(en) | Anna Gien, Sabrina Günther, Oliver Koerner von Gustorf, Egor Sofronov |
| Gestaltung | Correspondence (Justus Gelberg, Berlin & Lukas Engelhardt, Amsterdam) |
| Maße | 25 x 32 cm |
| Umschlag | Hardcover |
| Seitenzahl | 256 |
| Abbildungen | 164 |
| Sprache(n) | Deutsch, Englisch |
| ISBN | 978-3-96912-145-0 |
Die Scherenschnitte von Sonja Yakovleva (geb. 1989 in Potsdam, lebt und arbeitet in Frankfurt am Main) sind von einem sex-positivem Feminismus geprägt. In ihnen finden sich gleichermaßen Pornografie und kunstgeschichtliche Verweise, volkstümliche Motive, Märchen und Mythen wieder, mit denen seit dem Mittelalter misogyne, rassistische und homophobe Ideologien in das kollektive Bewusstsein eingeschrieben wurden. Deren Verbreitung wurde durch Scherenschnitte begünstigt, weil sie grafisch vereinfachende Darstellungen nutzten und als häuslich und weiblich galten. Yakovleva bezweckt mit dieser Technik jedoch das Gegenteil. In ihren flirrenden Papierschnitten werden Geschichten von Frauen, prekäre Grauzonen, Machtverhältnisse, Repräsentation, Sexualität und Gewalt neu verhandelt.
Der Titel der ersten Monografie von Sonja Yakovleva Soaplands verweist auf japanische Badehäuser, in denen Männer sich einseifen und massieren lassen und die auch als Bordelle fungieren. Neuerdings gibt es auch Soaplands für Frauen mit männlichen Prostituierten. So haben in den gezeigten – zwischen 2018 und 2023 entstandenen – Papierschnitten Frauen das sexuelle Regime übernommen und unterwerfen das patriarchale System. Ohne Scham benutzen sie Männer als Objekte zur Befriedigung ihrer Lust.
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Sonja Yakovleva
10€ In den WarenkorbSonja Yakovleva (geb. 1989 in Potsdam, lebt und arbeitet in Frankfurt am Main) verwendet pornografische Darstellungen und Bilder aus dem Internet als Vorlagen für ihre teils großformatigen Papierschnitte, in denen persönliche und öffentliche Geschichten von Frauen, Machtverhältnissen, Sexualität und Gewalt verhandelt werden. Die Scherenschnitte zeigen volkstümlichen Motive, mit denen von der Kolonialzeit über die Moderne bis ins angehende 21. Jahrhundert Märchen, Mythen und Ideologien in das kollektive Bewusstsein eingeschrieben wurden. Yakovleva, deren Arbeit häufig mit einem sex-positiven Feminismus in Verbindung gebracht wird, eignet sich diese folkloristische Bildsprache an und hybridisiert und sexualisiert sie. So lässt sie beispielsweise Dessous und Strap-on-Dildos als Schmetterlings- und Insektenpräparate erscheinen, was an historische Forschungsreisen denken lässt. Thematisiert wird aber auch der kapitalistische Zwang, jeden Fetisch zu kategorisieren, zu bewerten und zu vermarkten.
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Parallel dazu präsentieren dreizehn Museen Werke von Michel Majerus aus ihren Sammlungsbeständen: Ludwig Forum, Aachen, Kunsthalle Bielefeld, Kunstmuseum Bonn, Museum Folkwang, Essen, Sprengel Museum Hannover, Museum Ludwig, Köln, Kunsthalle Mannheim, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München, Neues Museum Nürnberg, Saarlandmuseum – Moderne Galerie, Saarbrücken, Kunstmuseum Stuttgart, Staatsgalerie Stuttgart und Kunstmuseum Wolfsburg.
Die umfassende Publikation zur Ausstellungsreihe Michel Majerus 2022 beinhaltet drei Essays und zwei Künstlerbeiträge sowie eine Bilddokumentation der Ausstellungen und Sammlungspräsentationen, ergänzt um die Vita und Ausstellungshistorie von Michel Majerus mit fotografischem Archivmaterial.
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Der weibliche Akt ist eine Konstante der Kunstgeschichte, an der wir den Wandel von Darstellungsformen und das Schlingern der Moral ablesen können. Manche Akte landen zunächst in der Schmuddelecke, einige Jahre später sind sie dann schön und schicklich und werden in heiligen Hallen gezeigt (andersrum ist auch möglich). GOTT&GILZ reihen sich mit ihren Foto-Malereien in diese lange Tradition der Darstellung nackter Frauen durch Männer ein – Stichwort „male gaze“ – und machen das mit ihren Verweisen auf Klimt, Schiele, Pollock u. a. auch noch explizit. Das führt bei manchen zu reflexhafter Empörung. Die Anmaßung besteht bei GOTT&GILZ jedoch anders als bei den besagten kunsthistorischen Referenzen nicht im Bruch mit tradierten Darstellungsformen, sondern eben im Zitieren derselben: die Vergangenheit als Affront. Die Frauen auf den Bildern, aber auch die Künstler selbst stellen ihr Begehren souverän zur Schau und stoßen uns so scham- und schonungslos auf die Verfasstheit unserer in der Geschichte ankernden Gesellschaft und Psyche.
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